Leggenda e mistero s’intrecciano da sempre alla storia dei luoghi che hanno visto nascere Roma. In un percorso in cui passato e memoria incontrano il teatro e grazie al teatro vivono di luce nuova, i visitatori del Foro Romano e del Palatino potranno vivere un’emozionante esperienza nel cuore della città millenaria.
Durante le prossime festività natalizie la Soprintendenza, in collaborazione con Pierreci ed Electa, propone un ciclo di letture e interpretazioni di testi classici con visite in tema, in luoghi dell’area archeologica centrale particolarmente evocativi, solitamente chiusi al pubblico e che per l’occasione verranno riaperti. Giovani attori daranno voce a grandi autori come Marziale e Shakespeare, interpretando parole e sentimenti senza tempo su due palcoscenici d’eccezione: il tempio di Romolo al Foro e la Casa di Livia al Palatino.

Dal 19 dicembre 2009 al 6 gennaio 2010
Visite gratuite in italiano e in inglese dalle 10:00 alle 13:00
Prenotazione obbligatoria
tel. 0639967700
Informazioni www.pierreci.it
Biglietti d’ingresso
Intero € 12.00
Ridotto € 7,50 (18- 25 anni)
Gratuito : minori di 18 anni e maggiori di 65 anni
Il biglietto consente l’accesso al Foro romano e al Palatino.
Chiuso il 25 dicembre e il 1° gennaio
www.beniculturali.it

Jannis Kounellis, Joseph Kosuth, Mimmo Paladino, Sol Lewitt, Mario Merz, in dialogo con architetti del calibro di Gae Aulenti, Atelier Mendini, Vittorio Magnago Lampugnani. Questo offre Metronapoli, che negli anni ha affidato le varie stazioni della subway partenopea – da Dante a Museo, a Vanvitelli – a grandi artisti e progettisti. Ora, in occasione del Natale, arrivano le mini guide tascabili MetroArt, un invito a turisti e cittadini alla conoscenza dell’arte contemporanea underground.
Dal 23 dicembre gli interessati potranno ritirare gratuitamente, presso il banco agenti di stazione, i pieghevoli bilingue in formato tascabile che illustrano nel dettaglio architetture e opere d’arte di Linea 1 e Linea 6. Oltre 180 opere di novanta tra i protagonisti dello scenario internazionale: dipinti, sculture, mosaici, ceramiche, fotografie ed installazioni site-specific…

www.metro.na.it

Coppo di Marcovaldo, Giudizio Universale (Inferno), decorazione musiva, 1260-1270, cupola del Battistero di San Giovanni, Firenze

Luogo di dannazione e tormento eterno dominato da Satana, l’Inferno cristiano – dal latino Infernus ossia “posto in basso” – trova le sue origini nell’Ade greco e nello Sheol ebraico. Tratto da fonti bibliche e testi profetici e inserito all’interno del Giudizio Universale per tutta l’epoca medievale, la sua trasposizione iconografica inizia a diffondersi solo nel X secolo per illustrare l’orrore e la perversione del male, con l’intento di terrorizzare i fedeli e indurli al pentimento.
Una delle rappresentazioni più antiche è parte della decorazione musiva della cattedrale di Torcello, seguita da quella della cupola del battistero di San Giovanni a Firenze di Coppo di Marcovaldo, che vede un raccapricciante Satana al centro della scena, tra serpenti, corpi straziati e fiamme, che afferra e dilania con enormi fauci le anime dannate. Non dissimile dalle successive interpretazioni di Giovanni da Modena per la basilica di San Petronio a Bologna e di Giotto per la Cappella degli Scrovegni. E se per i fiamminghi il modello da seguire è quello di Bouts, dalla seconda metà del XIV secolo i filoni narrativi da cui attingere materia infernale sono da ricercarsi nella Commedia dantesca. Come il groviglio di corpi martoriati dai demoni nei Dannati di Luca Signorelli, affresco per il ciclo del Duomo di Orvieto che anticipa il Giudizio michelangiolesco, mentre è di Botticelli il cono infernale con tanto di gironi, desunto alla lettera dalla Commedia, e di Bosch la summa più terrifica del mondo degli inferi mai raffigurata.
Più rare le rappresentazioni successive al Rinascimento. Il demoniaco si esaurisce come motivo teologico per trasformarsi in capriccio con l’epoca barocca. Fino al XVIII secolo, quando gli artisti traggono ispirazione da testi profani, dal Paradiso perduto di Milton, come nel caso delle visioni di William Blake, ma anche dal Faust, nel secolo successivo, mentre ritornano i riferimenti alla Divina Commedia e al Giudizio di Michelangelo nella Porta dell’Inferno di August Rodin. Fino ad assurgere a metafora di un’epoca contemporanea controversa e ritrovarlo nei teatrini macabri di Jake & Dinos Chapman o nei demoni di Federico Guida. E se Annie Leibovitz crea per la serie I Soprano un girone infernale metropolitano, Bill Viola, riprendendo la struttura del trittico, dà vita a una città che brucia nel pannello dell’Inferno della videoinstallazione The city of man. Anime dannate, fuoco e fiamme a rimarcare che al di là del bene l’unico destino è ne l’eterno dolore. Tra la perduta gente. Oggi come duemila anni fa.

[Roberta Vanali]

Rocca di Fontanellato, Sala di Diana e Atteone lato est

Percorrendo stradine d’impianto medioevale, dove si aprono piccole botteghe sotto bassi portici architravati, d’improvviso lo spazio sembra dilatarsi. Circondata dal grande fossato si erge l’elegante Rocca.
L’interno racchiude preziose opere d’arte, come la cinquecentesca camera picta, il cui significato rimane, per certi versi, avvolto nel mistero. È opera del Parmigianino, artista – per ammissione dello stesso Argan – appassionato di alchimia, così come il committente: il conte Galeazzo Sanvitale.
Si è dibattuto a lungo sulla natura e destinazione del camerino: secondo alcuni studiosi (Quintavalle, Ghidiglia) una sala da bagno, secondo altri (Dell’Arco, Mutti) una trasposizione pittorica di motivi ermetici. Lungo le pareti e il soffitto è affrescato l’episodio mitologico di Atteone trasformato in cervo e poi divorato dai suoi cani da caccia, per aver sorpreso Diana-Artemide al bagno. Il mito non compare nelle iconografie legate all’alchimia, ma può assumerne i fondamenti: per la relazione con il tema della metamorfosi e per il riferimento al Balneum (il bagno che rigenera).
Ne esiste inoltre una lettura ermetica di Giordano Bruno (Heroici furori, 1585), dove la caccia rappresenta la venatio sapientiae (ricerca di sapienza), e i cani allegorie dei pensieri e del desiderio che “l’amore trasforma e converte”.

Rocca di Fontanellato, veduta esterna

Stando alla leggenda, questa piccola stanza – che in origine non aveva finestre – fu fatta affrescare in ricordo del figlio dei Sanvitale, morto poco dopo la nascita. Potrebbe in quest’ottica suggerire uno spazio sacro simile a quello dei santuari Eleusini: qui, come durante i Misteri, si rievocava la drammatica separazione madre/figlio che preludeva alla resurrezione e alla rinascita.

[Lori Adragna]

INFO
Piazza Matteotti, 1 – 43012 Fontanellato (Pr)
Tel. 0521822346 – 829055 – Fax 0521 824042
www.comune.fontanellato.pr.it/turismo

ORARI: da aprile a ottobre feriali 9.30-11.30*/15.00-18.00*, domenica e festivi 9.30-12.00* /14.30-18.00*;
da novembre a marzo chiuso il lunedì, feriali 9.30-11.30*/15.00-17.00*, domenica e festivi 9.30-12.00*14.30-17.00* (*inizio ultima visita)

Ingresso unico: euro 3

Come arrivare
Dall’Autostrada del Sole – A1:
- provenienti da Bologna uscita Parma Ovest in località grave; Pontetaro, km. 9
- provenienti da Milano uscita Fidenza, per via Emilia – Sanguinaro – Fontanellato, km. 9
Dall’Autostrada della Cisa A 15:
- uscita Parma Ovest in località grave; Pontetaro km. 9

Mimi e attori. Maschere e coturni. Commedie e tragedie. RavennAntica “mette in scena” il teatro delle origini, con i suoi personaggi e allestimenti scenici, con le sue architetture e ritualità. Il teatro classico sarà al centro del nuovo grande evento espositivo che la FondazioneRavennAntica presenterà nel Complesso di San Nicolò agli inizi del 2010.
Nell’antichità, il teatro era un appuntamento rituale di grande rilievo sociale e il pubblico partecipava intensamente agli spettacoli: era uno dei divertimenti preferiti durante le feriae romane. Il teatro greco e latino è alle origini del nostro teatro occidentale, a partire dalle sue tecniche e drammaturgie.
Un argomento, quindi, di notevole suggestione e attualità, che verrà raccontato al pubblico attraverso i numerosi materiali – soprattutto di età romana – presenti nelle collezioni del Museo Archeologico Nazionale di Napoli insieme a quelli provenienti dai contesti archeologici dell’Emilia Romagna.
Il visitatore dell’esposizione avrà l’opportunità di ammirare, oltre ad alcune raffigurazioni riportate su vasi, mosaici e affreschi, un notevole corpus di riproduzioni di maschere legate ai generi teatrali: oggetti che provengono, in particolare, dagli scavi delle antiche città sepolte dall’eruzione del Vesuvio nel 79 d.C. e destinati all’ornamento di giardini o alla decorazione architettonica di edifici pubblici e domus.

HISTRIONICA
Teatri, maschere e spettacoli nel mondo antico
Complesso di San Nicolò
Via Rondinelli, 6 – Ravenna
www.ravennantica.it
Dal 20 marzo al 12 settembre 2010
Orari: tutti i giorni 10-18.30

Kitagawa Utamaro - Michiyuki koi no futosao - 1803 - Museo delle Culture, Lugano

Linee astratte, volti distaccati, corpi intrecciati, varietà di colori: Shunga significa ‘pitture di primavera’, stagione della rinascita, vita che riprende vigore. Dolcezza di fiori e profumi, intensa sensualità, ricerca di piacere.
La mostra scandisce il tempo storico (più di due secoli, ossia il periodo Edo, 1603-1867), ma sullo sguardo occidentale pare prevalere – pur nelle differenze che via via s’imparano a distinguere per forme e colori, la forza dei segni, la descrizione dei tessuti – la fedeltà alla tradizione per quelle immagini erotiche, atti sessuali in diverse posizioni, memoria e stimolo, desiderio rinnovato e motivo d’eccitazione.
Dodici i dipinti di Tsukioka Settei, che corrispondono ai mesi dell’anno, il coito raffigurato in differenti modalità, organi genitali in dimensioni maggiori, e di lì l’irradiazione del piacere, spruzzi di polvere d’argento a simulare forse il prezioso seme maschile, brillantezza e gioia. Illustrazioni di libri, stampe, dipinti.
Interessante notare come nelle stesse raffigurazioni ci siano a volte, di fianco alle persone che stanno unendosi nell’atto sessuale, dei fogli, rotoli dipinti con immagini erotiche. Cultura del piacere: così anche per la letteratura, il teatro, alla ricerca di momenti di appagamento a più livelli, concretamente fisico ed estetico, spesso senza distinzione. A volte si colgono narrazioni “fumettistiche”, passaggi di situazioni, dal “prologo” all’unione fisica dei due amanti.
Muta anche il modello femminile, a volte più minuto, aggraziato, ma sempre in una libera disponibilità di gesti, esperienze ed esperimenti. E da un raro yokobon (libro in formato orizzontale), autore Torii Kiyohiro, sono tratte le immagini che raffigurano rapporti omosessuali. Mentre nella stampa di Isoda Koryusai, La famiglia, si vede una donna che allatta il suo bambino durante l’unione sessuale. È la varietà della vita. Sino a una coppia completamente nuda – situazione rara: vestiti, stoffe sempre intorno ai corpi – sfoglia intanto un libro Shunga.

Utagawa Kunisada - Shunka shuto shiki no nagame - 1827 ca. - Museo delle Culture, Lugano

In alcuni casi si coglie un forte dinamismo dei corpi. Elementi simbolici per l’estasi femminile. Particolari ritmi e proporzioni per braccia e gambe, in alcuni casi è dominante un particolare ideale di bellezza. Notevole l’abilità disegnativa di Yushido Shuncho, affascinanti anche gli equilibri cromatici. Raffinato, incantevole per linee e tessuti, è Katagawa Utamaro, con un erotismo di particolare precisione, intensità ed eleganza.
Comprensibile come queste opere abbiano conquistato l’Occidente, anche a livello artistico, specie dalla seconda metà dell’Ottocento, nell’ansia del confronto con altre culture, oltre la propria pretesa supremazia.
In mostra ci sono Shunga anche degli inizi del Novecento, rossi allegorici in Ikeda Terukata, tratti preziosi, sinuosità, delicatezze e abbandoni, coraggio compositivo con Hashiguchi Goyo.

[Valeria Ottolenghi]

fino al 31 gennaio 2010
Shunga – Arte ed Eros nel Giappone del periodo Edo
a cura di Francesco Paolo Campione
Palazzo Reale
Piazza Duomo, 12 – 20122 Milano
Orario: tutti i giorni ore 9.30-19.30; lunedì ore 14.30-19.30;
giovedì ore 9.30-22.30 (la biglietteria chiude un’ora prima)
Ingresso: intero € 8; ridotto € 6
Catalogo Mazzotta
Info: tel. +39 0254918; www.mostrashunga.it

È il nuovo record all-time per un disegno, ma è anche il secondo prezzo più alto mai raggiunto da un’opera di un Old Master, dipinti inclusi. Ha sorpreso un po’ tutti, la performance registrata da Testa di musa, disegno di Raffaello che a Londra, nell’asta Christie’s dedicata a Old Masters and 19th Century Sale, è salito fino a oltre 32 milioni di euro, partendo da una stima fra i 13 e i 17 milioni. La stessa sessione di asta ha stabilito il nuovo record assoluto, in termini di valore.
Nella stessa serata scintille anche intorno a Portrait of a Man with Arms Akimbo di Rembrandt, che a 21 milioni di euro si insedia al quinto posto della classifica all-time. In tempi di crisi i collezionisti si concentrano su opere di artisti storicizzati? Sembra proprio di sì…

Grazie a una nuova e sofisticata tecnologia virtuale applicata per la prima volta nella storia dell’archeologia su un monumento di età romana, tornano alla luce i colori forti e vivaci dei marmi antichi dell’Ara Pacis.
Anche se gli oltre mille anni di permanenza nel sottosuolo del Campo Marzio hanno cancellato dal monumento ogni traccia visibile di colore, non sussistono dubbi sul fatto che in origine l’altare fosse variopinto. Innanzitutto perché è ormai assodato che l’utilizzo dei colori per i monumenti fosse abituale. Inoltre, nel corso del 2008/2009 è stato effettuato un ciclo di ricerche eseguite dai Laboratori Scientifici dei Musei Vaticani per conto della Sovraintendenza ai Beni Culturali del Comune di Roma, che hanno provato senza dubbio l’esistenza di colore sull’altare e su alcuni suoi frammenti, mai restaurati in quanto non reinseriti nella ricostruzione del 1938.
Verranno illuminati a colori sia il fronte occidentale sia quello orientale raffiguranti i pannelli di Enea sacrificante ai Penati e del Lupercale sul fronte occidentale, i pannelli della Tellus e della Dea Roma sul fronte orientale e il grande fregio vegetale su entrambi i fronti.
La scelta delle singole tinte per “l’Ara Pacis a colori” è stata operata sulla base di confronti con la pittura romana, specialmente pompeiana, studi condotti su monumenti più tardi ma influenzati dall’Ara Pacis e ricerche cromatiche svolte sulle architetture e sulla scultura greco-romana.

Il più celebre disegno leonardiano torna alla luce dopo sette anni lontano da sguardi e sbalzi di temperatura. Una mostra dal passo lento. Che permette ai visitatori di misurarsi con un enigma dalle divine proporzioni…

Leonardo da Vinci - Uomo vitruviano - elaborazioni grafiche per evidenziare i rapporti vitruviani di un piede e di una testa, dalla base del collo all’attaccatura dei capelli, pari a un sesto dell’altezza di un uomo

Difficile immaginare che una delle icone più celebri e citate dei nostri tempi abbia faticato tanto prima di esser riconosciuta come indiscusso capolavoro. Il disegno dell’Uomo vitruviano è rimasto pressoché ignoto fra i suoi contemporanei, salendo agli onori della cronaca d’arte soltanto nel 1810, in una pubblicazione del collezionista Giuseppe Bossi. E in seguito si dovette attendere la metà del secolo scorso perché riuscisse a superare le diffidenze di chi ne contestava l’aspetto ambiguo, non chiaramente ascrivibile all’ambito scientifico o a quello artistico del corpus leonardiano.
La mostra che ridona visibilità al disegno di Leonardo (Vinci, 1452 – Amboise, 1519), a sette anni dalla sua ultima apparizione, si occupa espressamente di questo suo carattere ambivalente, “tra arte e scienza”, come indicato da titolo e testi in catalogo.
Sul foglio, oltre al celeberrimo disegno, compaiono le note di Leonardo che descrivono l’immagine, capolavoro di proporzioni realizzate secondo il modello dell’homo ad quadratum e ad circulum dei trattati di “Vetruuio architecto”. Il testo di Leonardo riguarda i rapporti fra le parti che compongono il corpo dell’uomo, e fra le stesse e il quadrato e il cerchio in cui è inscritto. Questo aspetto antropometrico torna all’esterno della figura, in una linea sotto il disegno, divisa secondo il passo delle relazioni tra le porzioni d’uomo raffigurate, “diti”, “palmi”, “piedi”, “cubiti”, “passi”, fino ad arrivare all’intero “homo”.
Il disegno è collocato al centro d’una piccola sala, dietro una teca che rispetta le prescrizioni riguardanti luce, temperatura e umidità costanti necessarie alla sua conservazione, mentre ai suoi lati vengono ricavate due nicchie sulle cui pareti sono proiettati altrettanti video. Il primo rielabora graficamente il disegno leonardiano, evidenziando le relazioni antropometriche e mettendolo in rapporto con raffigurazioni dell’homo ipotizzato da Vitruvio come unità di misura esemplare per l’architettura, sottolineando come quella leonardiana sia una soluzione d’impareggiata armonia.

Jacopo de Barbari - Doppio ritratto con Luca Pacioli - Galleria Nazionale di Capodimonte, Napoli

Il secondo video inserisce la raffigurazione di Leonardo all’interno dell’indagine umanistica sul rapporto fra uomo e cosmo. Qui le relazioni fra le parti diventano metafora di quelle tra umano e divino, secondo trattazioni cosmologiche che, a partire dal Medioevo, hanno fatto del cerchio e della linea curva uno strumento di raffigurazione in grado di trasporre “l’uomo dalla dimensione del limite terreno a quella del mondo celeste, perfetto e incorrutibile”, come indicato in catalogo da Alba Zanin.
Leonardo è sicuramente consapevole non solo delle relazioni matematiche istituite fra le parti, alla ricerca di quella “divina proporzione” trattata dall’amico matematico Luca Pacioli, ma anche della valenza esoterica delle figure geometriche che utilizza.
Tutti questi aspetti contribuiscono a realizzare una figura la cui ambiguità non può essere definitivamente risolta, e la cui visione dal vero, come quella di ogni grande capolavoro, si rivela un’esperienza infinitamente più ricca di quanto la sua diffusione farebbe sospettare.

[Stefano Mazzoni]

dal 10 ottobre 2009 al 10 gennaio 2010
Leonardo – L’uomo vitruviano fra arte e scienza
Gallerie dell’Accademia
Campo della Carità (zona Accademia) – 30123 Venezia
Orario: lunedì ore 8.15-14; da martedì a domenica ore 8.15-19.15
Ingresso: intero € 10; ridotto € 7
Catalogo Marsilio
Info: +39 0415200345; www.leonardo.uomovitruviano.it

Palatino delle meraviglie. Svela luoghi nuovi e nascosti del palazzo degli imperatori di Roma. Come le cosiddette “arcate severiane”, inaccessibili al pubblico dal dopoguerra. Tutti le hanno sempre guardate dal Circo Massimo, archi enormi che hanno allargato il colle per incrementare ancor di più le dimensioni palazzo. Ma solo chi è avanti con gli anni ha vagato sulla terrazza sopra quegli archi, ammirando una Roma campestre mai vista. La riapertura è stata già annunciata e presto sarà per tutti. Mentre si può già passeggiare per la Vigna Barberini, altra terrazza tanto artificiale quanto spettacolare con affaccio sulla valle del Colosseo. Visione di Roma altrettanto sconosciuta se non di più, visto che lo Stato l’acquisì nel lontano 1909, ma mai l’aprì ai comuni mortali. Cent’anni di oblio. Una follia. E non solo per il panorama. Lì c’era infatti il tempio del Sole di Elagabalo, e c’è ancora la chiesa di San Sebastiano che presso il tempio cadde martire. Prima del tempio c’era un grande giardino con portici a più piani, delizia degli imperatori Flavi. E prima ancora, pare, la fantasmagorica sala da pranzo girevole di Nerone, ultima grande scoperta. Così recente che il cantiere è ancora aperto, ma dal recinto s’intravede l’enorme pilastro circolare di mattoni che sorregge otto arcate possenti. Sostenevano la pedana girevole, si è subito detto. Si è urlato. L’ha saputo tutto il mondo. Tutti con gli occhi puntati su Roma, sul Palatino, sulla Vigna. Ma è proprio vero? Non si sa. È un’ipotesi, pure affrettata. Che ha scandalizzato non poco gli affezionati della grande sala ottagona sul colle Oppio. L’unica candidata, finora. Pure lei dubbia ma con buone carte da giocare. Perché lì gli invitati giungevano dopo aver ammirato l’arte, pranzavano godendosi il sole di mezzogiorno, e potevano passeggiare nella valle dopo il pasto. Insomma quasi credibile, mentre il pilastrone della Vigna lo è molto meno. Ma poco importa, se intanto ne ha parlato il mondo. Magari in futuro una smentita verrà. Ma sottovoce…

[Cinzia Dal Maso]

Telemaco Signorini, La piazza di Settignano all'ombra, 1889 - Istituto Matteucci - Viareggio

Ai tavolini dello scomparso Caffè Michelangiolo di Firenze, animata dalla carismatica figura di Diego Martelli (che con Adriano Cecioni sarà il teorico del gruppo), si riunisce tra il 1855 il 1856, una nutrita schiera di artisti. Ciò che li accomunava era una ricerca pittorica orientata alla riproduzione del vero, contrapposta alle divagazioni sublimi della cultura romantica. Il pittore, cui è riservato il compito di ritrarre il mondo, non vede con il cuore e non dipinge con il sentimento: l’occhio registra fedele. Quello che coglie (filtrando inizialmente lo sguardo attraverso uno specchio scuro, pratica del ton gris importata dalla Francia dai pittori De Tivoli e Altamura) è un insieme di chiazze di colore accostate, sfumate da chiaroscuri dettati non più da moti dell’animo, ma da riscontrabili effetti luministici presenti in natura. Nasceva così la pittura di macchia, intuizione italica di una cultura del dipingere che di lì a poco sarebbe sfociata nell’Impressionismo e quindi in linguaggio moderno.
Sostanziali le differenze tra i pittori che aderiscono al gruppo e che ne contraddistinguono le rispettive produzioni: i Macchiaioli sono un movimento eterogeneo, incline alla sperimentazione e orientato alla ricerca. Tra le personalità più influenti, oltre all’intimo cantore della Maremma toscana Giovanni Fattori, spicca quella cosmopolita di Telemaco Signorini (Firenze 1835 – 1901), artista perfettamente inserito nel contesto di scambi linguistici e artistici europei che ha in Parigi il centro irradiante di novità sostanziali. La caratura internazionale di Signorini, l’abilità nell’aprirsi a un mercato estero di collezionisti senza assoggettarsi ad esso, è bene evidenziata nella personale a lui dedicata a Palazzo Zabarella, con la quale la Fondazione Bano inaugura la stagione espositiva delle grandi mostre. Le oltre cento opere giunte a Padova per l’occasione, selezionate dai maggiori studiosi di pittura italiana del XIX secolo, provengono da collezioni private e da prestiti eccellenti (il Museé d’Orsay e l’Hermitage, fra i tanti) e alternano ai capolavori del maestro opere di protagonisti del secondo Ottocento, figure fondamentali per il suo percorso formativo verso una dimensione pittorica più consapevole: Degas (L’Absinthe), Tissot, Stevens, Corot, Courbet, Rousseau, il gruppo degli Impressionisti parigini, John Singer Sargent a Londra (dove si reca più volte).

Telemaco Signorini, Rendez-vous nel bosco, 1873 - Collezione Palazzo Foresti, Carpi

Sviluppata lungo tredici aree tematiche, la mostra ne rilegge la fortuna artistica attraverso lo studio dei molti soggetti che avrebbe poi, nel tempo e ciclicamente, affrontato: dalle vedute di borghi e città (gli scorci fiorentini, veneziani e scozzesi, le ville toscane, Settignano, Riomaggiore, Pietramala) alle pitture en plein air (la campagna senese, il torrente Affrico, le rive dell’Arno, visioni prossime ad un paesaggismo sentimentale), dai molti ritratti di genere agli omaggi alla scuola di Barbizon (i pascoli, i boschi, le corti), dalla pittura sociale d’ispirazione courbettiana (i bellissimi L’Alzaia e La sala delle agitate) ai raffinati interni (Aspettando). Nulla sfugge alla fame artistica del pittore, che instancabile viaggia e annota, diventando testimone involontario di una società che proprio mentre gettava le basi del codice pittorico novecentesco, in maniera impercettibile, andava sfiorendo.

[Gaetano Salerno]

TELEMACO SIGNORINI E LA PITTURA IN EUROPA
PALAZZO ZABARELLA
Via San Francesco, 27 – Padova
ORARI: 09.30 – 19.30 (chiuso il martedì non festivo)
a cura di Giuliano Matteucci, Fernando Mazzocca, Carlo Sisi, Ettore Spalletti
Catalogo Marsilio
TEL. 049 – 8753100
www.palazzozabarella.it
FINO AL 31 GENNAIO 2010

Presso il Museo Storico del Castello di Miramare a Trieste ha appena aperto un’esposizione che si inserisce nel quadro dei festeggiamenti per i 150 anni dell’Unità d’Italia. La mostra che propone un capolavoro dell’arte italiana dell’Ottocento: Il Bacio di Francesco Hayez. La straordinaria fortuna di quest’opera, subito riconosciuta come icona popolare perché emblema delle sofferenze d’amore, non è mai tramontata e ancora oggi quando si nomina Il Bacio l’opera di Hayez gareggia con quella di Gustav Klimt per fama e riconoscimento internazionale. Preludio dell’atto politico da cui nacque l’Italia, l’opera nella versione del 1861 divenne il simbolo delle lotte risorgimentali, essendo sintesi formale delle istanze patriottiche di Hayez e di un preciso momento storico.
Il Bacio viene ora esposto in una residenza asburgica, importante vetrina della città di Trieste e sito romantico per eccellenza, luogo ideale per accogliere l’opera più popolare di Hayez, divenuta icona del Romanticismo italiano. Accanto al capolavoro di Hayez sono presenti altri tre rari acquerelli dello stesso artista e una copia de Il Bacio, nella versione del 1859.

IL BACIO. Un capolavoro per l’Italia
Trieste, Museo Storico del Castello di Miramare
Viale Miramare – Trieste
fino al 15 Agosto 2010
Orari: tutti i giorni dalle 9.00 alle 18.30
Intero: 6.00 euro / Ridotto: 4.00 euro
Catalogo: Silvana editoriale
tel: +39 040 224143
www.uncapolavoroperlitalia.com

Musei e itinerari culturali su misura. Per ogni singolo visitatore. Qualunque ne sia la nazionalità e il profilo socio-culturale. E’ il senso pratico di un’innovativa tecnologia battezzata SmartMuseum, che è stata presentata ieri a Firenze, nel corso di un workshop aperto, organizzato dall’Istituto e Museo di Storia della Scienza.
Adattabile a palmari e a cellulari di ultima generazione (smartphone), SmartMuseum è il prodotto di un progetto finanziato dalla Comunità Europea. Varato nel gennaio 2008 e prossimo a concludersi (febbraio 2010), ha comportato un investimento di 2 milioni di euro. Obiettivo: creare, grazie alle nuove tecnologie, un rapporto inedito e organizzato tra istituzioni culturali e utenza, ovvero una piattaforma digitale capace di offrire servizi avanzati e personalizzati, nel totale rispetto della privacy. Nella sostanza, SmartMuseum è una guida audio-video elettronica di ultima generazione, adattabile alle caratteristiche del visitatore. Il quale deve solo impostare il programma con i propri dati (tempo a disposizione, profilo socio anagrafico, preferenze culturali, finalità della visita) per vedersi o sentirsi proporre l’itinerario per lui ideale.

www.smartmuseum.eu

Il 2009 è stato un anno ricco di anniversari: dalla caduta del muro di Berlino alla nascita di Francis Bacon, dall’istituzione di Brera al primo secolo di Futurismo. Il 2010 si annuncia tuttavia quasi altrettanto stimolante per chi ama le ricorrenze. Nel 1510 moriva di peste, a soli 32 anni – notizia da considerare col beneficio d’inventario, poiché la sua vicenda biografica resta per molti versi oscura -, il pittore veneto Giorgio da Castelfranco, noto ai più con l’appellativo di Giorgione. Stretto fra la lezione di Leonardo, di cui probabilmente vide “alcune cose” a Venezia, come scrive il Vasari, e l’astro nascente di Tiziano (tanto che alcune opere restano di ardua attribuzione), è celebre in specie e paradossalmente per un affresco perduto in massima parte, che decorava il Fondaco dei Tedeschi nella città lagunare. È perciò con un tempismo perfetto che l’editore Federico Motta ha dato alle stampe, nella lussuosa collana delle Grandi Opere – i volumi, rilegati e di grande formato, sono racchiusi in un raffinato cofanetto -, una monografia a lui dedicata e firmata da Enrico Maria Dal Pozzolo. Lo stesso studioso che, insieme ad Antonio Paolucci e Lionello Puppi, firma la curatela della grande mostra che il Museo Casa Giorgione di Castelfranco dedica all’artista (fino all’11 aprile).

Enrico Maria Dal Pozzolo, Giorgione, Motta, 2009, pp. 384, € 135